Imagine-se um artista a pintar num quarto escuro, guiado apenas pelo impulso interior. Agora imagine esse mesmo artista a perguntar-se, antes de escolher uma cor, se ela será “otimizada para o algoritmo”. Esta mudança de perspetiva do íntimo ao instrumental é o cerne da transformação contemporânea da criatividade. O que antes era um ato de resistência, questionamento ou simples deleite estético tornou-se, cada vez mais, um recurso a ser extraído, medido e vendido. A tecnologia, longe de ser neutra, opera como uma espécie de “enquadramento”, que converte tudo, ideias, emoções, relações em “fundo de reserva” para exploração. Neste novo ecossistema, a criatividade só sobrevive se for útil, previsível e, acima de tudo, rentável.

1. O enquadramento tecnológico: quando a criatividade vira “recurso”

Martin Heidegger advertiu que a essência da tecnologia moderna não reside nas máquinas, mas numa forma de ver o mundo: tudo passa a ser percebido como algo disponível para ser manipulado, otimizado e controlado. A criatividade, com toda a sua imprevisibilidade e caos produtivo, não escapa a esta lógica. Em vez de ser valorizada por aquilo que questiona ou revela, é julgada pelo que gera: cliques, visualizações, tempo de tela.

Este processo tem um nome na teoria social: reificação. Georg Lukács descreveu como relações humanas complexas são convertidas em coisas, em objetos alienáveis. Aplicado à era digital, isto significa que um poema no Instagram, uma música no Spotify ou um vídeo no TikTok deixam de ser expressões artísticas para se tornarem “ativos de engajamento” ou “dados de escuta”. A obra perde o seu contexto, a sua intenção, a sua alma e ganha um valor de mercado determinado por quem detém os algoritmos.

2. A captura e a medição: algoritmos como guardiões da conformidade

A jornada da criatividade até ao seu aprisionamento passa por duas etapas cruciais: captura e medição. Toda a interação digital, um comentário, uma partilha, até um segundo de pausa é registada, armazenada e analisada. Plataformas como o TikTok e o Spotify não oferecem apenas serviços; operam como laboratórios sociais em larga escala, onde a atenção humana é a principal moeda.

O algoritmo do TikTok, por exemplo, não se limita a mostrar conteúdo; ele molda ativamente o comportamento dos criadores. Estudos mostram que os utilizadores adaptam rapidamente os seus vídeos para corresponder às métricas de sucesso, ritmo acelerado, cores vibrantes, formatos replicáveis, sacrificando a profundidade, a ironia ou a ambiguidade em nome da viralização. O resultado? Uma homogeneização silenciosa: a criatividade que não “performa” desaparece do feed, e, com o tempo, do imaginário coletivo.

No Spotify, a lógica é semelhante. As listas personalizadas, como o “Daylist”, prometem uma experiência única, mas, na realidade, condicionam tanto os ouvintes quanto os artistas. Compositores começam a escrever canções com estruturas que “agradam” ao algoritmo batidas regulares, intros curtas, refrões repetitivos porque sabem que só assim entrarão nas playlists algorítmicas que garantem visibilidade. A música deixa de ser arte para se tornar produto otimizado.

3. A monetização final: da expressão ao ativo especulativo

A fase derradeira da cooptação é a monetização. Programas como o “Creator Fund” do TikTok ou a monetização por anúncios no YouTube apresentam-se como formas de empoderamento, mas criam uma dependência económica profunda. O criador passa a trabalhar não para si, mas para o sistema: produz continuamente, adapta-se às mudanças algorítmicas e evita riscos criativos que possam ameaçar a sua renda.

Os NFTs (tokens não fungíveis) representam o ápice desta lógica. Promovidos como uma revolução democrática que libertaria os artistas dos intermediários, acabaram por criar um mercado especulativo, dominado por poucos e movido pela volatilidade financeira. Uma obra de arte digital, em vez de ser apreciada pelo seu significado, é fragmentada, tokenizada e negociada como um ativo tal como uma ação na bolsa. A promessa de autonomia dissolve-se na realidade da concentração de riqueza e da financeirização extrema da cultura.

4. Resistência e alternativas: há saída para este labirinto?

Apesar do cenário sombrio, não estamos condenados à passividade. Existem frestas de resistência. Alguns criadores usam as próprias ferramentas das plataformas de forma subversiva, inserindo críticas nos formatos que o algoritmo privilegia. Outros abandonam os grandes ecossistemas em busca de comunidades menores, mais autónomas e menos mercantilizadas.

Propostas alternativas emergem, como as plataformas cooperativas, onde os próprios criadores detêm e governam a infraestrutura, ou o uso de licenças Creative Commons, que incentivam a partilha e a remixagem, desafiando a propriedade intelectual rígida. As Organizações Autónomas Descentralizadas (DAOs) também prometem novos modelos de governança, embora ainda careçam de provas concretas de equidade e sustentabilidade.

Conclusão

A criatividade não morreu. Mas foi domesticada. Foi retirada do espaço público do debate, da surpresa e do incómodo, e confinada ao redil do desempenho mensurável. A grande ironia é que, quanto mais “livres” nos sentimos para criar online, mais presos estamos às regras invisíveis dos algoritmos e dos mercados. Restaurar o poder perturbador da criatividade exigirá mais do que talento individual: exigirá consciência coletiva, regulação inteligente e, acima de tudo, a coragem de criar sem pedir permissão à máquina. Afinal, a verdadeira inovação nunca foi eficiente, foi incómoda.

Foto: Freepik
Curadoria: Gerueb
Autoria do Texto Original: O. Alves
Data de publicação original: 6 de fevereiro de 2026